История русской живописи в 15 картинах — Ильменский фестиваль авторской песни

История русской живописи в 15 картинах
Описать в нескольких словах выдающееся художественное произведение или особенности творчества признанного Мастера практически невозможно.

Описать в нескольких словах выдающееся художественное произведение или особенности творчества признанного Мастера практически невозможно.

История русской живописи в 15 картинах

Пожалуй, лучше всего иллюстрировать картины фрагментами из воспоминаний самих художников, высказываниями выдающихся критиков, искусствоведов, литераторов — таких, как поэты Александр Блок и Марина Цветаева, писатель Константин Паустовский, историки искусства Всеволод Дмитриев, Николай Машковцев и Валентин Янин, выдающийся искусствовед и критик Александр Бенуа.

1. Андрей Рублев «Троица», 1411 год или 1425-27

«»Троица» является выдающимся памятником культуры, общенациональным достоянием, с которым должны знакомиться люди всех воззрений, вне зависимости от их конфессиональной принадлежности. Выдающиеся памятники культуры принято хранить не в храмах, где их видит узкий круг прихожан, а в общедоступных музеях».

Валентин Янин, историк искусства

2. Владимир Боровиковский Портрет М. И. Лопухиной, 1797

«Портрет М. И. Лопухиной, может быть, самый поэтичный и женственный среди всех созданных Боровиковским. Лицо Лопухиной далеко от классического идеала красоты, но в то же время оно исполнено такого несказанного очарования, такой душевной прелести, что рядом с ним классические лица могут показаться холодной и неживой схемой. Обаяние молодости и женственности сочетается здесь с типом национальной красоты, к изображению которой вплотную подошел художник».

Николай Машковцев, историк искусства.

3. Александр Иванов «Явление Христа Народу», 1837-1857

«Иванов создает образы идеальной, праксителевской красоты, бесконечно превосходя в этом отношении все, что до него было сделано в живописи. Такова в картине группа дрожащих, словно изваянная из цветного драгоценного мрамора, таков юноша, выходящий из воды, такова компактная группа будущих апостолов.

Есть какая-то особая космическая радость, доступная лишь немногим художникам, в том, как прослеживает он проявление строительных сил природы, обнаруживающих себя в структуре древесного ствола, ветвей и листьев, так же как и в структуре человеческого тела, его костяке и мышцах, его движениях и цвете. Кажется, что здесь он дошел до пределов пластического выражения этих вещей в живописи. Такой же предельности достиг он в выражениях человеческих лиц, особенно Иоанна Крестителя. Недаром же Крамской считал изображение Крестителя идеальным портретом, ставя его на один уровень с античным Зевсом, Венерой Милосской и Мадонной Сикста».

Николай Машковцев, историк искусства

4. Алексей Саврасов «Грачи прилетели», 1871

«Одинокая картина Саврасова, по справедливости, должна считаться… каким-то феноменальным, необъяснимым случаем, находящимся вне всякой связи с прошлым, и это, как по теме, по чудному поэтичному настроению, так и по исполнению, по простоте, непосредственности исполнения и отчасти даже по красоте красок. Очевидно, в Саврасове… жила настоящая душа живописца и настоящий могучий художественный темперамент, священный дар внимать таинственным голосам в природе, до него еще никем из русских живописцев не расслышанным».

Александр Бенуа, художник и критик

5. Василий Поленов «Московский дворик», 1878

«Сам я по таланту небольшой человек, таким меня все считают, и справедливо, но замыслы у меня большие; много я и долго работал и наконец достиг теперь некоторой известности. Достиг я ее главным образом благодаря сюжету моей картины, т. е. смыслу сюжета или, как говорят, идее картины. К великой моей радости, многие поняли то, что я хотел сказать, и отозвались с сочувствием.

Это мне дает смелость говорить еще, насколько хватит сил, и это составляет мое счастье. Мне кажется, что искусство должно давать счастье и радость, иначе оно ничего не стоит. В жизни так много горя, так много пошлости и грязи, что если искусство тебя будет сплошь обдавать ужасами да злодействами, то уже жить станет слишком тяжело».

Василий Поленов, художник.

6. Михаил Нестеров «Видение отроку Варфоломею», 1889-1890

«Жить буду не я. Жить будет „Отрок Варфоломей“. Вот если через тридцать, через пятьдесят лет после моей смерти он ещё будет что-то говорить людям — значит, он живой, значит, жив и я».

Михаил Нестеров, художник.

«Один из самых прекрасных, строго-прекрасных русских людей, встреченных мною за всю жизнь. Я думаю, он вполне исторический человек. Одухотворение, несущееся из его картин, никогда не забудется. Он создал „стиль Нестерова“, и этот стиль никогда не повторится».

Василий Розанов, философ

7. Михаил Врубель «Демон сидящий», 1890

«Демон Врубеля символ нашего времени, ни ночь, ни день, ни мрак, ни свет… Врубель пришел к нам как вестник, что в лиловую ночь вкраплено золото ясного вечера. Он оставил нам своих Демонов, как заклинателей против лилового зла, против ночи. Перед тем, что Врубель и ему подобные приоткрывают человечеству раз в столетие, я умею лишь трепетать».

Александр Блок, поэт

8. Исаак Левитан «Над вечным покоем», 1894

«Никто из художников до Левитана не передавал с такой печальной силой неизмеримые дали русского ненастья. Оно так спокойно и торжественно, что ощущается как величие. Осень снимала с лесов, с полей, со всей природы густые цвета, смывала дождями зелень. Рощи делались сквозными. Темные краски лета сменялись робким золотом, пурпуром и серебром. Левитан, так же как Пушкин и Тютчев и многие другие, ждал осени, как самого дорогого и мимолетного времени года».

Константин Паустовский, писатель

9. Наталья Гончарова «Бабы с граблями», 1907

«Самый знаменитый из… передовых художников — женщина: имя её Наталья Гончарова. Гончаровой нынче кланяется вся московская и петербургская молодёжь. Но самое любопытное — ей подражают не только как художнику, но и ей внешне. Это она ввела в моду рубашку-платье, черную с белым, синюю с рыжим. Но это ещё ничто. Она нарисовала себе цветы на лице. И вскоре знать и богема выехали на санях — с лошадьми, домами, слонами — на щеках, на шее, на лбу. Когда я спросил у этой художницы, почему она предварительно покрыла себе лицо слоем ультрамарина, — Смягчить черты, — был ответ».

Марина Цветаева, поэт

10. Валентин Серов «Похищение Европы», 1910

«Игорь Грабарь, как высшую похвалу Серову… утверждает: „В лице Серова ушел последний великий портретист старого типа… ушел последний убежденный певец человека“.

Наоборот, у Николая Радлова, как одно из высших достоинств Серова, указывается, что он совершенно нов в русском искусстве, что он один из первых, является началом… из тех, что «порывают с прошлым, и потому их не включишь в историческую цепь».

Наконец, приведем еще одну похвалу, опять-таки резко иную: «Что же такое живопись Серова? — спрашивает Сергей Маковский и отвечает: — Урок русской живописи. Серов стремился вперед, сохраняя лучшее наследие прошлых лет нашей школы».

Всеволод Дмитриев, художественный критик

11. Кузьма Петров-Водкин «Купание красного коня», 1912

«В деревне была гнедая лошаденка, старая, разбитая на все ноги, но с хорошей мордой, — рассказывал Петров-Водкин. — Я начал писать вообще купание. У меня было три варианта. В процессе работы я предъявлял все больше и больше требований чисто живописного значения, которые уровняли бы форму и содержание и дали бы картине социальную значимость».

Огромный пламенно-красный конь как бы распластан на поверхности холста. Со всех сторон его окружает плотная сине-зеленая масса, изрезанная складками наподобие горных хребтов или застывшей лавы. Золотистая фигура юноши-всадника тонкостью своей подчеркивает литую мощь коня. В верхней части холста, там, где при обычной точке зрения изображают небо, — дугообразная полоска розового берега с облачно-округлыми кустами. Слева и справа под ней — фигурки мальчиков, купающих лошадей. Тем самым обозначена точка зрения как бы с высоты птичьего полета, благодаря чему красный силуэт первого плана воспринимается еще более монументальным.

Сергей Даниэль, историк искусства

12. Аристарх Лентулов «Василий Блаженный», 1913

«Материал, который я применил, состоял из цветных золотистых бумаг, сусального золота и различных тканей, — то, что, мне казалось, так ярко выражает сущность внутреннего уклада, вкуса и любви москвичей к декоративно-мишурно-пышной красоте. В этом же плане написан Василий Блаженный: на синем фоне пестрые, как петрушки, купола чередуются с наклеенными блестками цветных бумаг, — нечто похожее на турецкие лубочные картинки турецких святынь — Мекки и Медины, мечети Айя София, которые я очень люблю и которые также подкрашены золотом и анилинами различных цветов — глубоко зеленый, синий, цвет бирюзы и бордово-пунцовый».

Аристарх Лентулов, художник

13. Казимир Малевич «Чёрный супрематический квадрат», 1915

«Я преобразился в нуле форм и выловил себя из омута дряни Академического Искусства. Художнику дан дар для того, чтобы дать в жизнь свою долю творчества и увеличить бег гибкой жизни. Только в абсолютном творчестве он обретет право свое. Самоценное в живописном творчестве есть цвет и фактура — это живописная сущность, но эта сущность всегда убивалась сюжетом. И если бы мастера Возрождения отыскали живописную плоскость, то она была бы гораздо выше, ценнее любой Мадонны и Джиоконды. А всякий высеченный пяти-, шестиугольник был бы большим произведением скульптуры, нежели Милосская или Давид. Принцип дикаря есть задача создать искусство в сторону повторения реальных форм натуры. Собираясь передать жизнь формы — передавали в картине мертвое».

Казимир Малевич

«Несомненно, это и есть та икона, которую господа футуристы предлагают взамен мадонн и бесстыжих венер, это и есть то „господство над формами натуры“, к которому ведёт… вся наша новая культура… с её машинностью, с её „американизмом“, с её царством… пришедшего Хама».

Александр Бенуа, художник и критик

14. Юрий Пименов «Новая Москва», 1937

«Работа художника — дело нелегкое. И художник всегда страдает оттого, что между ним и его работой стоит яркий образ мира, силу которого передать почти не удается. Но он надеется, всегда надеется, что хотя бы малая часть того, чем он взволнован, дойдет до зрителя и толкнет его к дальнейшему открытию мира. В настоящее искусство все приходит из жизни, глубоко переживается художником и в случае удачи остается поэтическим памятником времени».

Юрий Пименов, художник

15. Илья Кабаков «Жук»

«Художник отражает мир, который вокруг него. Содержание искусства рождается в среде, в детстве, в мире, где живёт художник, но формы художник изменяет постоянно. Это стало так с начала века или немного раньше и идёт до нынешнего дня.

Вопрос для нас стоял так: либо заимствовать принятые формы, либо создать свои. Старые формы были нам отвратительны, жалки. Новые — проблематичны, комичны даже, но они соответствовали нашим стремлениям. И мы начали выражать наши высокие потуги, устремлённые иногда за край мира, в этих комичных формах».

Илья Кабаков, художник

Источник: rus.ruvr.ru

Добавить комментарий