Социалистический реализм. История русской живописи в 15 картинах

Социалистический реализм. История русской живописи в 15 картинах
Художникам предписывалось отображать реальность «точно, в соответствии с конкретным историческим революционным развитием», а также «согласовывать свое художественное выражение с темами идеологических реформ и воспитанием трудящихся в социалистическом духе».

Художникам предписывалось отображать реальность «точно, в соответствии с конкретным историческим революционным развитием», а также «согласовывать свое художественное выражение с темами идеологических реформ и воспитанием трудящихся в социалистическом духе».

Социалистический реализм. История русской живописи в 15 картинах

После начала перестройки, в середине восьмидесятых годов, все, так или иначе связанное с СССР, стало подвергаться жесткой критике: картины, еще недавно считавшиеся эталонными, были осмеяны. Художники, создававшие их, назывались преимущественно «певцами кровавого режима», прислужниками партии и правительства.

Интересно, как сами живописцы воспринимали подобную критику. Владимир Гремитских, автор хрестоматийных портретов руководителей страны — Леонида Брежнева и Юрия Андропова — по воспоминаниям его сына, Александра «при слове соцреалист отец буквально зверел: „Я, значит, социалистический реалист, Веласкес — позднефеодальный, а Рембрандт — раннекапиталистический? Чушь все это! Глупость! Ярлык! По заказам, говоришь, пишем? А Веласкес-то, небось, шел себе с этюдничком. Глядь — папа римский сидит. Дай думает, напишу его, уж больно натура хорошая. А я уж так, без его дукатов обойдусь, тут мне и свобода творчества будет“.

Можно по-разному относиться к социалистическому реализму, но нельзя отрицать того, что, невзирая на политический и социальный контекст, это была высококлассная школа живописи, которую даже западные искусствоведы признавали лучшей мировой реалистической школой ХХ века.

1. Исаак Бродский «Расстрел 26 бакинских комиссаров», 1925

«От Репина я перенял его отношение к искусству, любовь и серьезный подход к творчеству как к делу жизни».

Исаак Бродский

«Ах, как пышно он живёт и как нудно! Уже в прихожей висят у него портреты и портретики Ленина, сфабрикованные им по разным ценам, а в столовой, которая и служит ему мастерской, некуда деваться от расстрела коммунистов в Баку. Сам Бродский очень мил. Чтобы покупать картины, чтобы жить безбедно и пышно, приходится делать расстрелы и фабриковать Ленина, Ленина, Ленина. Здесь опять-таки мещанин, защищая своё право на мещанскую жизнь, прикрывается чуждой ему психологией.

И я вспомнил того стройного изящного молодого художника, у которого тоже когда-то была своя неподражаемая музыка в портретах, в декоративных панно. Его талант ушёл от него вместе с тонкой талией, бледным цветом лица».

Корней Чуковский, писатель

«В советскую эпоху творчество Бродского наполнилось глубоким, передовым, идейным содержанием. В советское искусство Бродский вошел как художник-реалист, безоговорочно поставивший свое творчество на службу революции, воспроизводивший события революционной действительности образы выдающихся деятелей большевистской партии и Советского государства».

Из биографии художника. 1956.

2. Александр Самохвалов «Девушка в футболке», 1932

«Особенным я называю Самохвалова потому, что его художественная одаренность имеет универсальный характер, выходя даже за пределы многообразия форм изобразительного искусства, в которых он проявил себя широко и оригинально, создав удивительно много и в области станковой живописи, и в книжной графике, и в театре, и в прикладном искусстве, и в скульптуре малых форм. Может быть, эта универсальность натуры позволила ему создать свой стиль как некую оригинальную концепцию, естественно выражавшуюся во всем, что он делал. Сразу узнаешь Самохвалова и в рисунке, и в живописи, и в пластике, и в декоративных мотивах — во всем, чего касалась творческая рука художника».

Евгений Кибрик, народный художник СССР, академик

3. Борис Йогансон «Допрос коммунистов», 1933

«Меня лично преследовала идея сопоставления классов, желание выразить в живописи непримиримые классовые противоречия. Белогвардейщина — это особый нарост в истории, это сброд, где смешались и остатки старого офицерства, и спекулянты в военной форме, и откровенные бандиты, и мародеры войны. Каким ярким контрастом этой банде были наши военные комиссары, коммунисты, являвшиеся идейными руководителями и защитниками своего социалистического отечества и трудового народа. Выразить этот контраст, сопоставить его являлось моей творческой задачей».

Борис Йогансон

М. Греков посетил Евпаторию в 1934 году. Художник заканчивал в это время большой цикл картин из истории гражданской войны.

Чистое безоблачное небо, яркая голубизна моря, зеленеющая весенняя степь очаровали художника. «Колорит здесь удивительный», — говорил Митрофан Борисович своей племяннице Татьяне. Потом вдруг воскликнул: «Черт возьми, да ведь такой колорит — находка!». С этого времени художник забыл об отдыхе. Его часто можно было видеть за городом, в открытой степи, где он под лучами палящего солнца писал с натуры евпаторийских мальчишек.

«Однажды, когда дядя Митя пришел с этюдом, — вспоминает Т. Грекова, — мы хотели его пожурить за то, что он мало отдыхает, но он вдруг воскликнул: „Э, да вы ничего не знаете! А я здесь моих трубачей нашел!“. Вскоре после приезда в Москву Митрофан Борисович написал свою знаменитую картину „Трубачи Первой Конной армии“. Первая попытка была предпринята за семь лет до этого в Новочеркасске. Но как резко отличалась эта новая работа от той!

«В Евпатории я понял, как надо их писать», — признавался художник. Татьяна Грекова вспоминает, что «среди новых его полотен увидела картину — прекрасную, словно солнцем согретую, словно ветром весенним овеянную». Художник изобразил головной отряд Первой Конной армии, идущий по весенней, залитой солнцем степи. Впереди на фоне голубого неба полковые музыканты со сверкающими медными трубами. Побывавшее во многих сражениях красное знамя победно развевается на ветру, символизируя радость и торжество победы.

По воспоминаниям Татьяны Грековой, племянницы художника

«Ни одну картину я не написал, не проверив тысячекратно то, что собираюсь написать, что это правда, и только правда, и иного быть не может».

Аркадий Пластов

«Отец горько переживал войну В его душе кипел справедливый, святой гнев. И эти его чувства вылились в картине „Фашист пролетел“. Однажды отец писал осенний этюд. И этот мотив настолько растрогал его, что я увидел слезы на его глазах. Когда вернулись с этюда домой, отец вмиг набросал эскиз будущей картины.

Начался мучительный сбор материала. Сельские мальчишки помогали ему. Но никак никому не удавалось упасть на траву, как хотелось отцу. Наконец один малыш, споткнувшись, как-то неловко растянулся на сухой траве. «Стой, стой!» — вскричал отец. Через семь дней картина была написана. В ее основу лег тот первый, глубоко тронувший отца осенний этюд».

Николай Пластов, сын художника

«В 1942-1943 годах мною был написан триптих „Александр Невский“. Я писал его в суровые годы войны, стремясь отразить непокорный дух нашего народа, который встал во весь свой гигантский рост».

Павел Корин

Самой известной работой мастера является триптих «Александр Невский». Сила воздействия образа, созданного П. Д. Кориным, оказалась такова, что репродукции «Александра Невского» украшали фронтовые землянки и фронтовые газеты. Огромная копия картины, сделанная группой бойцов, штурмовавших Древний Новгород, была установлена у въезда в город.

Сохранился рассказ о том, что в Великом Новгороде среди солдат было много художников. Они решили повторить работу П. Д. Корина, выполнив её в реальных размерах. Для этого они собрали холщёвые мешки, сшили их и сделали портрет А. Невского. Работа была вывешена в те дни, когда был освобождён от фашистов Великий Новгород. Она производила на уходящих солдат потрясающее впечатление. Казалось, сам новгородский князь Александр Невский провожает воинов на бой с фашистами, смотрит на них сверху, с небес как покровитель и защитник.

«Сравнение мастерства живописца с мастерством композитора вполне приложимо к Герасимову. Из всех советских живописцев он наиболее музыкален. Краски его палитры звучат. Мимо них не пройти. Они всецело покоряют ваше внимание. Вы всматриваетесь в полотно и замечаете, как из отдельных звуков — красок создаются музыкально живописные фразы, переходящие в стройную, мелодичную композицию.

Ученик К. Коровина и С. Иванова, он умело воспринял палитру своих учителей, их живописные приемы и красочность, продолжая работать над изучением цвета и света в картине».

Лев Варшавский, искусствовед, художественный критик

8. Александр Лактионов «Письмо с фронта», 1947

«Все мной написано с натуры, я только несколько расширил дверной проем и превратил монастырский двор в площадь небольшого провинциального города. Остальное все хорошо „легло“. Я не побрезговал изобразить истертые и прогнившие доски и облупившуюся стену. Работа длилась два летних сезона, два солнечных лета, таких солнечных, которые редко бывают».

Александр Лактионов

Во время подготовки к Всесоюзной художественной выставке 1947 года картина подверглась критике: представитель Комитета по делам искусств заявил, что «в советской действительности таких полов не должно быть».

В итоге картину повесили в узком, темном проходе. Но очень скоро она заняла подобающее ей место в зале — так захотели зрители. Картина имела необыкновенный успех. Когда она висела в коридоре, там негде было ступить, и экскурсоводы жаловались, что невозможно провести группу мимо картины Лактионова. Три четверти всех записей в книге посетителей признавали лучшей на выставке картину «Письмо с фронта».

«То, что я менял жанры творчества, не моя вина (если это вина) — это закон времени, но, вероятно, я оставался самим собой в главном. Я знаю, что завтрашний день мне дает что-то новое, что ляжет в основу моих работ, и я искренне хочу, чтобы это новое было глубоко человечное и прекрасное. Я понимаю живопись, тонкую живопись, но люблю больше рисунок, форму. Если иные разбираются в тончайших тоновых нюансах и абсолютно безразличны к грубым искажениям формы, то у меня наоборот — я очень чувствителен к тончайшим формам ритма и удовлетворяюсь простыми цветовыми отношениями».

Александр Дейнека

10. Дмитрий Налбандян «Торжественный прием в Кремле 24 мая 1945 года»

«Сталин расстрелял несколько художников. Их сначала вызывали в Кремль, чтобы увековечили вождя и учителя. И, как видно, не угодили они вождю. Сталин хотел быть высоким. Ручки чтоб одинаковые.

Всех перехитрил художник Налбандян. На его портрете Сталин, сложив руки где-то в районе живота, идет прямо на зрителя. Ракурс взят снизу. При таком ракурсе даже лилипут покажется великаном. Налбандян последовал совету Маяковского: художник должен смотреть на модель, как утка на балкон. Вот с этой позиции утки Налбандян и написал портрет Сталина. Сталин остался очень доволен. Репродукции портрета висели во всех учреждениях. Даже в парикмахерских и в банях».

Дмитрий Шостакович, композитор

«Задумав написать жанровую картину об экзаменах в школе, он стал часто бывать на уроках, садился на задней парте и наблюдал за ребятами. Хотел передать радость школьника, который получил пятерку. Как-то учительница вызвала к доске лучшего ученика, а он вдруг стал запинаться, совсем смутился и в итоге получил двойку. Его расстроенное лицо взволновало Федора, и появилась новая идея картины.

Надо сказать, что дети считали его своим художником, дядя хранил множество школьных сочинений, написанных по его картинам. «Двойка» была написана в 1952 году и вызвала такой интерес, что через два года появилась картина «Переэкзаменовка» — продолжение истории, где действует тот же главный герой».

Евгений Решетников, племянник художника

«Художник отбирает и выбирает, выбирает то, из чего он старается сделать искусство, образ сложного, противоречивого мира. Один берет горькую тему, тему человеческого горя, и пестрые краски и цвета не будут темой его души. Другого захватит доброе чувство жизни, и сумрачное состояние оставит его равнодушным. Третий соединит все в синтез действительности и т.д. — сколько настоящих художников встретятся с настоящей жизнью, столько необыкновенно разного и необыкновенно сложного появится в искусстве».

Юрий Пименов

13. Татьяна Яблонская «Хлеб», 1959

«При работе над картиной „Хлеб“ я больше всего старалась передать восторг от самой жизни, передать правду жизни. Ни о какой самодовлеющей „живописности“ я не думала. Что нужно еще, кроме правдивого изображения жизни? Я не осознавала, что все же в картине „Хлеб“ живописная задача получилась — сочетание теплого зерна, синих юбок, белых платков и сорочек создавало живописную игру. Кроме того, я совсем незадолго до „Хлеба“ писала картину „Перед стартом“, одновременно писала „В парке“ и еще не совсем окончательно забыла живописные открытия отвергаемых мной импрессионистов».

Татьяна Яблонская

«Глядя на картины Стожарова по прошествии ряда лет, убеждаешься в их особо ценном качестве — редкостной цельности. Оставленное художником принято называть наследием. То, что создал Стожаров, большой живой родник, и из него еще предстоит черпать другим художникам, им предстоит извлекать не только уроки мастерства, но и подлинную горячую любовь к своей земле, ее истории. История живописи В. Ф. Стожарова есть живое понятие. Кажется, что старые вещи в его натюрмортах согреты теплом человеческих рук. В его картинах нет приземленности. Земное в них всегда духовно».

Таир Салахов, художник

«Он никогда не стоял на месте. При всем том, что, казалось бы, внешне как будто он выработал какой-то язык, прием, краски, тем не менее, это только чисто внешняя сторона. Если внимательно присмотреться к его творчеству, а этот художник как раз требует очень внимательного рассмотрения, мы увидим, что от вещи к вещи он все время совершенствовался, все время обогащался».

Алексей Грицай, художник

«Я спрашиваю себя, что писать и как писать? И когда не нахожу ответ на этот вопрос, то вспоминаю, почему с самого детства я хотел стать художником. И многое становится ясней. Оказывается, что тебя привлекала профессия художника не деньгами, не славой, не всеми 90% жизненной суеты вокруг искусства, а просто любил само искусство и больше ничего, то святое, что называется прекрасным, чистым, незамутненным.

А сейчас мне иногда становится страшно, мне кажется, что искусство где-то проходит в стороне, что большая часть всех наших споров и разногласий развивает не линию искусства, а какую-то другую, очень похожую вблизи на настоящую, но в общем ложную линию. И это главное видишь только тогда, когда пройдут годы и когда мы скажем: да, те годы, те десятилетия были ошибкой».

Виктор Попков

Источник: rus.ruvr.ru

Добавить комментарий